Sin Jazz En La Capital.

La 30ª edición del festival de Jazz de Madrid, queda cancelada por la falta de interés del ayuntamiento.

Madrid, se queda una vez más sin su prestigioso festival de Jazz, el cual año tras año, convertía a la capital en un referente internacional, al ser el festival de Jazz más importante celebrado en el mes de noviembre. La falta de compromiso por parte del ayuntamiento, ha propiciado que los organizadores diesen la batalla por perdida, y que cómo ya sucedió en otros años, se cancele dicho festival.

El ayuntamiento de Madrid, que ya dejó de gestionar el festival el año pasado, se había comprometido a ceder espacios, equipo técnico y colaboración publicitaria, para que se pudiese desarrollar sin problemas el festival, del 7 al 24 de noviembre. El circo Price y el teatro Fernán Gómez, eran los lugares donde se iban a desarrollar las actuaciones, de artistas de la talla de Chano Dominguez, Martirio y otros 14 artistas más.

El área de Las Artes, dirigida por Pedro Corral, se había comprometido verbalmente a cesión de los espacios mencionados, pero cuando llego la hora de plasmarlo por escrito para hacerlo oficial, cambió la situación, y primero se canceló la cesión del cuerpo técnico, y después el teatro Fernán Gómez. El área de las artes ha dado su versión de los hechos y a declarado que “justo en las fechas en las que se celebra el festival, el teatro ya tiene comprometida otra programación”.

Se cree que dicha programación, guarda relación con la intención de privatización del teatro Fernán Gómez, que trata de hacer efectiva el ayuntamiento, y que estaría relacionada con el alquiler de espacios teatrales y centros culturales para la recaudación de fondos. Sospechas encaminadas por las declaraciones realizadas por Fernando Villalonga, ex delegado de las artes, y actual presidente de la empresa Madrid Arte y cultura, encargada de la administración cultural de la capital, que menciona que “Hay que abrirse a lo privado”.

TheProject, la empresa encargada de la organización del festival, y a su vez organizadora del festival de Jazz de Barcelona, ante los obstáculos impuestos por la administración se ve obligada a la cancelación del festival, a pesar de que Villalonga declare que “querían que el ayuntamiento les financiase las salas, equipos de sonido y la publicidad, ¡Querían llevarse el 100% de la taquilla!”, declaraciones negadas por la empresa, declarando que ya había acuerdos con Mac (Madrid, Arte y Cultura). Con la privatización del teatro Fernán Gómez, el cierre de cines emblemáticos en la capital, los problemas acaecidos en la plantilla del Liceu catalán, la cancelación del 30 festival de Jazz de Madrid y los presupuestos presentados por hacienda que afectan, a la subvención del cine español, esperemos que la cultura empiece a ser mejor valorada.

Finalmente, dejo una imagen del último festival de Jazz, el del pasado año, que trajo consigo la actuación de Chick Corea en el auditorio nacional.

Un abrazo.

La Universalidad del Flamenco.

El flamenco, originado al rededor del S.XVII, siempre ha sido un estilo musical, que se a visto relacionado con el Folklore, la fiesta. Un estilo relacionado a su vez, con el cante, y la guitarra, habiendo surgido este último instrumento mencionado, como acompañante al cante, siendo en realidad el flamenco "primitivo" cantado acompañado del compás de los nudillos. En realidad, caemos en un grave error al clasificar al Flamenco como Folklore español, siendo este género más un arte, que un folklore. Con esto, no quiero decir que tenga parte de tradición, que la tiene, y a su vez es un embajador de nuestro país, pero no todo es "tipical spanish". El Flamenco, en su variedad de palos, es más un arte, ya que el denominado "flamenco" siente, y vive lo que toca, lo que canta, lo que transmite, haciendo de este arte, un modo de vida, un estilo totalmente expresivo, sentimental.

Por otro lado, otro de los errores que se han cometido, al pensar y hablar del flamenco ha sido la "clasificación" conservadurista, de este estilo con la guitarra española, haciendo que de algún modo, otros instrumento tardasen en reaparecer. Gracias a la innovación y prodigiosa mente, de artistas como Paco de Lucía o Camarón, y siendo criticados en su momento, el flamenco comenzó a crecer, fusionando y escapando un poco de esa típica y rutinaria tradición, que lo encuadraban al "Olé" las palmas y el baile, pero el flamenco es mucho más que eso. El Flamenco, es uno de los géneros más agradecidos con la fusión, adaptable a todo tipo de influencia musical externa, nutriéndose y reforzándose. Fueron Paco o Camarón, de los primeros flamencos en atreverse a meter bajos eléctricos  bongos o ritmos jazz en sus composiciones, ejemplo de ello son temas como "entre dos aguas" de Paco de Lucía, o "La leyenda del tiempo" de Camarón.

Hoy en día, el Flamenco es mucho más instrumental, claro que obviamente, la guitarra es FUNDAMENTAL, y lo dice un estudiante, pero no sólo es la guitarra, instrumentalmente, gracias a Dios, el Flamenco evoluciona y utiliza instrumentos que nunca antes había sido tan protagonistas para este género. Estos instrumentos son el Piano, El saxofón, el bajo eléctrico, o la flauta travesera, ¿Acaso no son igual de flamencos, los pianistas, o flautistas, que los percusionistas, bailaores o guitarristas? si, lo son, tanto pianistas como Diego Amador, o Flautistas y Saxofonistas como Jorge Pardo (nombrado mejor músico de Jazz europeo) son igual de flamencos, que lo era Sabicas, porque ambos sienten este arte, y los expresan con sus intrumentos ¿O acaso no interpretan con su piano o Saxofón los mismos palos que son interpretados con la guitarra o el cante acompañado?  claro que sí, con otra tesitura, y otra sonoridad diferente, pero interpretan lo mismo, adaptando las "falsetas" a sus determinados instrumentos. Guitarristas de la talla de "Tomatito" han abierto estas puertas de la fusión, innovación y crecimiento del Flamenco. Hablo de discos como "Spain" con el magnífico pianista Michel Camilo, en los que dos artes como son la guitarra Flamenca y el piano del Jazz, se abrazan fundiéndose en un único estilo, genero o forma musical, la fusión, flamencojazz.  

Con está entrada no quiero más que mostrar, la evolución que ha tenido nuestra música, nuestro arte, una evolución que sigue en progreso, creciendo más y más cada vez, haciendo de este arte flamenco, una género cada vez más bello, que al comprenetrarse con otros, como el Jazz, sean creadas sonoridades divinas. Finalmente, el Flamenco siempre sera un símbolo guitarrista, un símbolo del baile y del cante, pero también será más que eso, porque siempre será Arte.

http://www.youtube.com/watch?v=CtIt5bduLZE

http://www.youtube.com/watch?v=t8pFXa4xUrY

http://www.youtube.com/watch?v=-jgsWYQqmu8

http://www.youtube.com/watch?v=rTHhDqwoKxkç

http://www.youtube.com/watch?v=qSA-WhRNZSE

http://www.youtube.com/watch?v=pP6tYLmw3vQ

http://www.youtube.com/watch?v=BTi73nrm54E

Un abrazo, hasta la próxima.

La música, suma e independencia.

Dice Enrico Fubini, en su obra "estética de la música", que el arte musical se puede entender como la suma de otras artes, pero a su vez la independencia del propio. Como ejemplo pone una de las frases que Schumann pone en la boca de Florestán, uno de sus personajes, "la estética de un arte es igual a la de otro; únicamente difiere la materia". A través del compositor romántico, puede entenderse que el arte en general, y la música en particular, es producto de la actividad creadora y expresiva del ser humano, que es realizada a través de diferentes materias, o precisa de diferentes características, por ejemplo visuales, sonoras o interpretativas. 

Ahora, podemos preguntarnos ¿Qué es lo que tiene la música, que la hace independiente? o quizás mejor, ¿Qué concepción de la música ha hecho que se interprete como un arte independiente? si nos remontamos desde la antigüedad hasta más o menos el S.VIII, estéticamente, la música se ha considerado siempre un arte apartado, no tan ensalzado como quizás lo era la poesía que tenía un poder educativo más notable, y quizás estable. Por otra parte, entendiéndolo tal y como Fubini lo explica, considerando las artes desde el punto de vista romanticista, la música ocuparía la concepción del arte temporal, usando el tiempo como materia artística, tomando dentro de este arte un lugar Solitario.

¿Porque la música ocupa un lugar solitario, en el plano temporal? ¿Acaso la poesía o, la literatura en general no ocupan también el mismo concepto artístico? Sí, ambas artes forman parte del arte temporal, y los compositores utilizan la literatura para dar mayor emotividad a sus obras, práctica utilizada desde el Renacimiento, cuando el poeta y el compositor comenzaron a sincronizarse tratando de llegar ambos a la misma meta, la expresividad, el sentimiento. Ahora bien, el compositor, o la música en general, precisa para su entendimiento un grado de preparación, es decir, alguien que los transmita y tenga los conocimientos exigidos, la educación necesaria. Esto nos puede crear dudas como ¿Acaso en la literatura no se exige enseñanza? sí, pero por lo general, todos aprendemos a leer en la escuela, desde pequeños se nos "adiestra" en el arte de la lectura, pero ninguno aprendemos a interpretar música en la escuela, si es cierto que nos enseñan el valor de las notas, a identificarlas, leerlas, a saber a que tiempo pertenece cada composición, pero no a interpretarlas instrumentalmente, ya sea con un instrumento material o con nuestra voz.

Esto es lo que diferencia en gran parte al arte musical, la interpretación, el intérprete, aquel que está especializado y que siente una gran carga de responsabilidad al transmitirnos esa composición a nosotros, el público. Está transmisión puede suscitar diferentes interpretaciones entre el público, a unos puede hacernos entender una cosa, y a otros quizás otra totalmente distinta, eso se debe a esa "universalidad" musical que tan reiterada por mi parte, y que se debe a la expresividad que principalmente el compositor da a su obra, y que el interprete transmite, para eso, no necesitamos adiestramiento, los sentimientos fluyen en nuestro interior, y nosotros simplemente les damos forma.

¡Un abrazo y buen fin de semana!.

Return To Forever- Where have i know you before.

Estamos ante una autentica obra maestra, realizada por Return To Forever, mítica agrupación de Jazz que cuenta con grandes genios. Este en concreto es el primer trabajo de la "2ª generación", compuesta por los fijos Chick Corea y Stanley Clark, y los que por aquel entonces acababan de unirse Al Di Meola y Lenny White, probablemente la mejor guitarra y batería jazz de la época.

Cuando juntas las mentes privilegiadas de Corea, Clark y Meola este es el resultado, un álbum completamente nuevo, que se aleja de la concepción Jazz de los 70, un álbum que no deja de moverme entre la fronteras de otros géneros, cogiendo un poco de aquí y allá, sin establecerse en un punto fijo. Se trata de un disco que integra todas y cada una de las cualidades de cada miembro, podemos notar con claridad la influencia eléctrica de Meola, la fusión de ritmos y sonidos de Corea o la genialidad y alguna que otra influencia funk de Clark, quién para mi, junto a Meola están acojonantes. 

¡Feliz 2013!