Entrada.

miércoles, 9 de octubre de 2013

Sin Jazz En La Capital.


La 30ª edición del festival de Jazz de Madrid, queda cancelada por la falta de interés del ayuntamiento.


Madrid, se queda una vez más sin su prestigioso festival de Jazz, el cual año tras año, convertía a la capital en un referente internacional, al ser el festival de Jazz más importante celebrado en el mes de noviembre. La falta de compromiso por parte del ayuntamiento, ha propiciado que los organizadores diesen la batalla por perdida, y que cómo ya sucedió en otros años, se cancele dicho festival.

El ayuntamiento de Madrid, que ya dejó de gestionar el festival el año pasado, se había comprometido a ceder espacios, equipo técnico y colaboración publicitaria, para que se pudiese desarrollar sin problemas el festival, del 7 al 24 de noviembre. El circo Price y el teatro Fernán Gómez, eran los lugares donde se iban a desarrollar las actuaciones, de artistas de la talla de Chano Dominguez, Martirio y otros 14 artistas más.

El área de Las Artes, dirigida por Pedro Corral, se había comprometido verbalmente a cesión de los espacios mencionados, pero cuando llego la hora de plasmarlo por escrito para hacerlo oficial, cambió la situación, y primero se canceló la cesión del cuerpo técnico, y después el teatro Fernán Gómez. El área de las artes ha dado su versión de los hechos y a declarado que “justo en las fechas en las que se celebra el festival, el teatro ya tiene comprometida otra programación”.

Se cree que dicha programación, guarda relación con la intención de privatización del teatro Fernán Gómez, que trata de hacer efectiva el ayuntamiento, y que estaría relacionada con el alquiler de espacios teatrales y centros culturales para la recaudación de fondos. Sospechas encaminadas por las declaraciones realizadas por Fernando Villalonga, ex delegado de las artes, y actual presidente de la empresa Madrid Arte y cultura, encargada de la administración cultural de la capital, que menciona que “Hay que abrirse a lo privado”.


TheProject, la empresa encargada de la organización del festival, y a su vez organizadora del festival de Jazz de Barcelona, ante los obstáculos impuestos por la administración se ve obligada a la cancelación del festival, a pesar de que Villalonga declare que “querían que el ayuntamiento les financiase las salas, equipos de sonido y la publicidad, ¡Querían llevarse el 100% de la taquilla!”, declaraciones negadas por la empresa, declarando que ya había acuerdos con Mac (Madrid, Arte y Cultura). Con la privatización del teatro Fernán Gómez, el cierre de cines emblemáticos en la capital, los problemas acaecidos en la plantilla del Liceu catalán, la cancelación del 30 festival de Jazz de Madrid y los presupuestos presentados por hacienda que afectan, a la subvención del cine español, esperemos que la cultura empiece a ser mejor valorada.


Finalmente, dejo una imagen del último festival de Jazz, el del pasado año, que trajo consigo la actuación de Chick Corea en el auditorio nacional.

Un abrazo.

martes, 19 de marzo de 2013

La Universalidad del Flamenco.


El flamenco, originado al rededor del S.XVII, siempre ha sido un estilo musical, que se a visto relacionado con el Folklore, la fiesta. Un estilo relacionado a su vez, con el cante, y la guitarra, habiendo surgido este último instrumento mencionado, como acompañante al cante, siendo en realidad el flamenco "primitivo" cantado acompañado del compás de los nudillos. En realidad, caemos en un grave error al clasificar al Flamenco como Folklore español, siendo este género más un arte, que un folklore. Con esto, no quiero decir que tenga parte de tradición, que la tiene, y a su vez es un embajador de nuestro país, pero no todo es "tipical spanish". El Flamenco, en su variedad de palos, es más un arte, ya que el denominado "flamenco" siente, y vive lo que toca, lo que canta, lo que transmite, haciendo de este arte, un modo de vida, un estilo totalmente expresivo, sentimental.

Por otro lado, otro de los errores que se han cometido, al pensar y hablar del flamenco ha sido la "clasificación" conservadurista, de este estilo con la guitarra española, haciendo que de algún modo, otros instrumento tardasen en reaparecer. Gracias a la innovación y prodigiosa mente, de artistas como Paco de Lucía o Camarón, y siendo criticados en su momento, el flamenco comenzó a crecer, fusionando y escapando un poco de esa típica y rutinaria tradición, que lo encuadraban al "Olé" las palmas y el baile, pero el flamenco es mucho más que eso. El Flamenco, es uno de los géneros más agradecidos con la fusión, adaptable a todo tipo de influencia musical externa, nutriéndose y reforzándose. Fueron Paco o Camarón, de los primeros flamencos en atreverse a meter bajos eléctricos  bongos o ritmos jazz en sus composiciones, ejemplo de ello son temas como "entre dos aguas" de Paco de Lucía, o "La leyenda del tiempo" de Camarón.

Hoy en día, el Flamenco es mucho más instrumental, claro que obviamente, la guitarra es FUNDAMENTAL, y lo dice un estudiante, pero no sólo es la guitarra, instrumentalmente, gracias a Dios, el Flamenco evoluciona y utiliza instrumentos que nunca antes había sido tan protagonistas para este género. Estos instrumentos son el Piano, El saxofón, el bajo eléctrico, o la flauta travesera, ¿Acaso no son igual de flamencos, los pianistas, o flautistas, que los percusionistas, bailaores o guitarristas? si, lo son, tanto pianistas como Diego Amador, o Flautistas y Saxofonistas como Jorge Pardo (nombrado mejor músico de Jazz europeo) son igual de flamencos, que lo era Sabicas, porque ambos sienten este arte, y los expresan con sus intrumentos ¿O acaso no interpretan con su piano o Saxofón los mismos palos que son interpretados con la guitarra o el cante acompañado?  claro que sí, con otra tesitura, y otra sonoridad diferente, pero interpretan lo mismo, adaptando las "falsetas" a sus determinados instrumentos. Guitarristas de la talla de "Tomatito" han abierto estas puertas de la fusión, innovación y crecimiento del Flamenco. Hablo de discos como "Spain" con el magnífico pianista Michel Camilo, en los que dos artes como son la guitarra Flamenca y el piano del Jazz, se abrazan fundiéndose en un único estilo, genero o forma musical, la fusión, flamencojazz.  

Con está entrada no quiero más que mostrar, la evolución que ha tenido nuestra música, nuestro arte, una evolución que sigue en progreso, creciendo más y más cada vez, haciendo de este arte flamenco, una género cada vez más bello, que al comprenetrarse con otros, como el Jazz, sean creadas sonoridades divinas. Finalmente, el Flamenco siempre sera un símbolo guitarrista, un símbolo del baile y del cante, pero también será más que eso, porque siempre será Arte.




Un abrazo, hasta la próxima.

sábado, 9 de febrero de 2013

La música, suma e independencia.



Dice Enrico Fubini, en su obra "estética de la música", que el arte musical se puede entender como la suma de otras artes, pero a su vez la independencia del propio. Como ejemplo pone una de las frases que Schumann pone en la boca de Florestán, uno de sus personajes, "la estética de un arte es igual a la de otro; únicamente difiere la materia". A través del compositor romántico, puede entenderse que el arte en general, y la música en particular, es producto de la actividad creadora y expresiva del ser humano, que es realizada a través de diferentes materias, o precisa de diferentes características, por ejemplo visuales, sonoras o interpretativas. 

Ahora, podemos preguntarnos ¿Qué es lo que tiene la música, que la hace independiente? o quizás mejor, ¿Qué concepción de la música ha hecho que se interprete como un arte independiente? si nos remontamos desde la antigüedad hasta más o menos el S.VIII, estéticamente, la música se ha considerado siempre un arte apartado, no tan ensalzado como quizás lo era la poesía que tenía un poder educativo más notable, y quizás estable. Por otra parte, entendiéndolo tal y como Fubini lo explica, considerando las artes desde el punto de vista romanticista, la música ocuparía la concepción del arte temporal, usando el tiempo como materia artística, tomando dentro de este arte un lugar Solitario.
¿Porque la música ocupa un lugar solitario, en el plano temporal? ¿Acaso la poesía o, la literatura en general no ocupan también el mismo concepto artístico? Sí, ambas artes forman parte del arte temporal, y los compositores utilizan la literatura para dar mayor emotividad a sus obras, práctica utilizada desde el Renacimiento, cuando el poeta y el compositor comenzaron a sincronizarse tratando de llegar ambos a la misma meta, la expresividad, el sentimiento. Ahora bien, el compositor, o la música en general, precisa para su entendimiento un grado de preparación, es decir, alguien que los transmita y tenga los conocimientos exigidos, la educación necesaria. Esto nos puede crear dudas como ¿Acaso en la literatura no se exige enseñanza? sí, pero por lo general, todos aprendemos a leer en la escuela, desde pequeños se nos "adiestra" en el arte de la lectura, pero ninguno aprendemos a interpretar música en la escuela, si es cierto que nos enseñan el valor de las notas, a identificarlas, leerlas, a saber a que tiempo pertenece cada composición, pero no a interpretarlas instrumentalmente, ya sea con un instrumento material o con nuestra voz.
Esto es lo que diferencia en gran parte al arte musical, la interpretación, el intérprete, aquel que está especializado y que siente una gran carga de responsabilidad al transmitirnos esa composición a nosotros, el público. Está transmisión puede suscitar diferentes interpretaciones entre el público, a unos puede hacernos entender una cosa, y a otros quizás otra totalmente distinta, eso se debe a esa "universalidad" musical que tan reiterada por mi parte, y que se debe a la expresividad que principalmente el compositor da a su obra, y que el interprete transmite, para eso, no necesitamos adiestramiento, los sentimientos fluyen en nuestro interior, y nosotros simplemente les damos forma.

¡Un abrazo y buen fin de semana!.

viernes, 4 de enero de 2013

Return To Forever- Where have i know you before.


Estamos ante una autentica obra maestra, realizada por Return To Forever, mítica agrupación de Jazz que cuenta con grandes genios. Este en concreto es el primer trabajo de la "2ª generación", compuesta por los fijos Chick Corea y Stanley Clark, y los que por aquel entonces acababan de unirse Al Di Meola y Lenny White, probablemente la mejor guitarra y batería jazz de la época.

Cuando juntas las mentes privilegiadas de Corea, Clark y Meola este es el resultado, un álbum completamente nuevo, que se aleja de la concepción Jazz de los 70, un álbum que no deja de moverme entre la fronteras de otros géneros, cogiendo un poco de aquí y allá, sin establecerse en un punto fijo. Se trata de un disco que integra todas y cada una de las cualidades de cada miembro, podemos notar con claridad la influencia eléctrica de Meola, la fusión de ritmos y sonidos de Corea o la genialidad y alguna que otra influencia funk de Clark, quién para mi, junto a Meola están acojonantes. 

¡Feliz 2013!


sábado, 22 de diciembre de 2012

Diversos Rumbos.



Llevo como casi dos semanas sin actualizar debido al agobio que infunde la universidad por estas épocas, agobios también producidos por la dejadez que tenemos los estudiantes, y el que diga lo contrario que me tire un cascote a la cabeza, dejándolo todo para el último día.

Por otra parte han sido unas semanas de reflexión, decisiones y nuevos aprendizajes, una semana en la que como siempre tanto rock, jazz y blues me han acompañado, pero en la que el flamenco a estado muy presente, y me refiero al cante de verdad, no a los gritos de ciertos grupos que dicen pertenecer a este sector artístico tan respetado, puro y cargado de sentimiento. Está semana decidí comenzar una nueva etapa en la guitarra, sin descuidar la actual claro, una etapa que me condujese y diese resultados, que me ilusionase y parece que estoy en el camino... sólo necesito esfuerzo y dedicación.

También han sido dias de descubrimientos, que meteré a mi sección "descubriendo Rock n' Roll", descubrimientos aconsejado por amigos sabios. Me refiero a obras como "Pyramid" de The Alan Parsons Project, o descubrimientos  personales como "The Hardest Town" de Rhino Bucket. Para nada me han abandonado Chuck Loeb, Metheny, Bonamassa, Clapton, T-Bone o los Zepp, siguen ahí, poniéndome los pelos de punta, sacando todo de mi, pero a veces no está demás otros senderos, otros rumbos, como Camaron, Mercé, Paco de lucía o el mismisimo Goran Bregovic... la Música tiene diversos caminos, atajos y senderos que nos conducen a un mismo lugar, enriqueciendonos y nutriéndonos de nuevos sonidos, ya que si nos estancamos en un sólo género nos cansamos y terminamos aborreciéndolo.

La música es maravillosa pero a veces... se puede volver en tu contra, agobiarte y decirte, ¡ché! que me muevo por más lugares, ¡descubreme!.

Feliz Navidad.

sábado, 8 de diciembre de 2012

Cuando tres guitarras son una sola.


Corría el año 1996, un servidor era un simple enano con una media docena a la espalda y una infancia cargada de diversión y aprendizaje, mientras en los estudios de Peter Gabriel más conocidos como "Peter Gabriel Real World" empezaba a cocinarse algo que jamás se había intentado, comenzaba  a tomar forma uno de los discos más importantes para la fusión, el Jazz y el flamenco, se estaba realizando un obra inigualable  inconfundible, muy lejos de la concepción musical, lejos de la clasificación genérica  de la crítica, se estaba gestando una obra de arte.

Octubre (según dicen las fuentes internautas), tres maestros de la guitarra se juntan para intercambiar influencias, aprender y hacer algo fuera de lo normal, sus nombres: Al Di Meola, John Mclaughlin y Paco De Lucía, el maestro, el flamenco, la guitarra de España, el hombre más grande que ha dado y dará ese instrumento compuesto por madera y nylon, entre otros materiales. Como bien dije, se trata de una reunión de intercambio "cultural" musical, una reunión de aprendizaje en la que los tres querían realizar algo que jamás se había intentado, quería escapar de esa concepción estilista en la que andaban sumidos, unos como iconos del Jazz y otros del Flamenco, realizando una fusión en la que ninguno destacase, si no en la que que todos se compenetrasen fusionando temas suyos y realizándolos en conjunto.

Paco totalmente internacionalizado, quiere abrir sus campos musicales, sus registros, quiere de algún modo escapar de esa atadura flamenca para de alguna manera nutrirla, enriquecerla y porque no, hacerse aún más grande. Decide entonces juntarse junto a dos de las más grandes guitarras jazzeras del momento, para aprender un poco de esa cultura musical, más ligada a la improvisación que a las bases establecidas, Paco precisaba de esa cultura improvisada para nutrir su guitarra, para llevarlo a su terreno y para de algún modo internacionalizar el flamenco, sacarlo un poco de esa concepción un poco marginal de "tipical spanish" y mostrar su verdadero arte, simplemente quería aprender. muestra de ello son unas declaraciones en las que dice "...yo pensé que la mejor forma de aprender era reuniendome con otro músicos, por ejemplo de Jazz, que es gente muy a la vanguardia armónicamente..." "...yo nunca pretendí dejar de ser flamenco, ni de dedicarme a Jazz, yo iba con la idea muy clara de que iba a aprender para luego traerlo de nuevo a mi flamenco..." está es la grandeza de un gigante de la guitarra, la humildad, la igualdad, el aprendizaje y la valentía que han hecho de su carrera y camino musical algo digno de admiración.

Por su parte, Al Di y John  genios indiscutibles de la guitarra Jazz son en la época el culmen del virtuosismo musical, caracterizados prácticamente por su virtuosismo en la guitarra acústica son dignos de admiración, Al Di en concreto, es y será siempre reconocido por ser uno de los músicos más influyentes, participativos y propicios a realizar o a desempeñar el crecimiento de la cultura "fusión" una cultura muy fácil de  ligar y mezclar con los sonidos jazzísticos, pues el jazz es pura fusión de estilos, pura cultura musical, que no para de crecer y nutrirse con aquellas influencias sonoras que llegan a sus instrumentos.

El disco en sí es una obra de arte compuesto por 9 pistas, todas salvo "Manha de Carnaval" son composiciones particulares de cada guitarrista concebidas desde un punto de vista virtuosista, en el que la rapidez de las notas hace gala de aprendizaje que buscaba Paco, de esa improvisación... es una joya que no puede faltar en la colección de aquel que adora la guitarra, el Jazz, el flamenco y la fusión, aunque en realidad no pueda ser un disco clasificable pues encajarlo en un estilo no sería lo más correcto.

Dejando a un margen los nombres, jerarquías, currículums, prestigios ..etc. y cerrando los ojos, podemos escuchar como esas tres magistrales guitarras se nos convierten en dos, una solista y otra acompañante, ambas interpretadas por los tres. Si dejamos de lado el acompañamiento y nos fijamos en la solista, podemos notar como el alma de los tres artistas se comunica  se une y se vuelve una sola, una sola guitarra compuesta por el virtuosismo de Meola y Mclaughlin, sus notas imposibles, los ataques rápidos Mclaughlin, la efectividad y magistral velocidad de Al Di (no falla una nota el tío) y el arte de Paco, su templanza, su maestría. Está es la grandeza de este disco, ninguno destaca por encima del otro, ni está más soberbio que el otro, si no que los tres destacan como si de uno sólo se tratase.

Gracias a un tío mío descubrí este disco con apenas..10 años, solo habían pasado cuatro años desde su grabación y se me había grabado en mente, tanto que hace simplemente mes y medio, salía de un librería de música donde compro los libros de la uni o los que me ayudan a descubrir e investigar, y al pasar por una tienda de discos de segunda mano no podía creerme lo que veía...era el, "guitar trío" casi nuevo y al módico precio de 5 €, no me lo pensé lo saqué de ese cajón en el que convive junto a otras joyas y me lo llevé a casa, ahora lo escucho prácticamente con asiduidad y puedo decir con orgullo que tras 16 años de su grabación, tengo una obra de arte y una joya en mi estantería.

Os dejo con 4 joyas, para que disfrutéis del disco, las 3 individuales que más me gustan y otra que que no es de composición particular.

"La estiba" de Paco De Lucía-

"Beyond The Mirage" de Al Di Meola.

"Letter From India" de John Mclaughlin.

"Manha de Carnaval" Al Di Meola, John Mclaughlin, Paco de Lucía.


Un abrazo.


jueves, 6 de diciembre de 2012

Descubriendo Rock n' Roll I: Kasey Anderson And The Honkies



He decidido hacer está sección para cuando descubra nuevas y buenas influencias rockeras poder hacerlas presentes, ya que uno por diversos motivos no conoce todos los parajes de este maravilloso género (quizá por mi apertura a muchos otros, mi temprana edad...etc.) y siempre agradece el aprendizaje y los nuevos descubrimientos, por que si en la vida no descubrimos nada ¿Que sentido tiene?, y es que la música a través de muchos de sus significados es, como bien titula mi blog, UNIVERSAL  siendo una de sus maravillas el contacto social que hace que uno se nutra, descubra nuevas cosas y disfrute de verdad, por eso los que amamos de verdad este arte disfrutamos con estas cosas.

Un día indagando por el maravilloso blog de TwoHeads "Necesito un Rock And Roll", me quedé maravillado con una entrada, muy bien escrita, que hablaba sobre el camino de Kasey Anderson, el camino de su carrera musical, la cual muy bien comparada metafóricamente por Two necesita el mismo cuidado que una planta, algo con lo que sobrevivir y algo que le hiciese crecer y seguir adelante (Agua y Luz).

Kasey Anderson y The Honkies no es la típica banda de Rock N' Roll comercial, sin personalidad y que entre sus objetivos más importantes se encuentra la fama. No, eso no va con ellos, si no que se trata de una banda establecida bajo unas bases, que desprende musicalidad por los cuatro costados, aunque a algunos nos gusten más unos temas que otros, y que tienen como más estricto objetivo hacer lo que les gusta, lo que llena y lo que les llena a aquellos que les seguimos, es decir, es una banda de verdadero Rock n' Roll que sujetos a una personalidad propia, que quizás a veces no son suene un tanto springstiriana, te engancha de verdad.

Enganchado me tiene "Heart Of A Dog" grabado por los americanos en el 2011, un disco que desde la primera pista te atrae, te engancha y hace que sucumbas ante el poder y la potencia de sus guitarras, no porque yo sea guitarrista, si no porque destacan claramente. El hecho de ir al lío desde la primera pista, mostrando esa personalidad y esos Riff's eléctricos dice mucho de ellos, para mi uno de sus temas más destacados es este primero "The Wrong Light", en el que se aprecia como la voz de Kasey está a la altura de la banda, una banda que interpreta Rock del bueno, ese rock que vive entre la frontera del blues más electrificado y el Rock n' Roll más agresivo, eso si, cargado también de otros aromas más próximos al Folk.

Esos aromas por ejemplo podemos notarlos en temas como "Mercy"  o "Sirens And Thunder" en los que yo destacaría esos sonidos propios de la guitarra Slide, sonidos que nos muestran esas influencias, esa frontera de la que hablaba anteriormente, propiA deL blues electrificado tipo Bonamassa o Haley. La banda también muestra algún que otro bajón intensivo, jugando con la dinámica del disco y con los géneros, ya que siempre de una buena tempestad hay que poner un poquito de calma al asunto; esto se aprecia en temas como "Yous Side Of Town", "My Blues, My Love" o "Exist Gosh", este ultimo un poco menos, ya que poco a poco va subiendo la dinámica de la canción con la entrada de las guitarras y mostrando una armonía bastante maja. Tras esto, volvemos a las guitarras distorsionadas,a la dureza, a la electricidad, al Rock n' Rol, vuelven los Riff's, cambiamos el canal del amplificador y nos deleitamos con temas como "kasey Anderson's Dreams" o "My Baby's a Wreecking Ball" para terminar de nuevo en la frontera, con "Revisionist History Blues" quien consigue hacerte mover el cuerpo al ritmo del Riff de la guitarra, el cual se te graba en la seserA de manera instántánea, un tema bastante elaborado, en el que se aprecia como van interviniendo poco a poco la armónica, el piano y la voz del propio Kasey mientras la guitarra te conduce por toda la composición. 

El disco acaba calmadito con "Far Anyone". Podemos observar un disco verdaderamente bueno, un disco con personalidad, guitarrero, realizado por una banda muy pura, fiel así misma, siendo en realidad Kasey como bien dice en su página web "un hombre entre otros hombres diferentes", entre Andrew Mckeag (guitarrista, voces), Eric Corson (bajista) y Mike Musburguer (batería).

Es un disco capaz de dar color, a un día gris. 





Un abrazo.